Wir stellen die Künstler des Monats vor
Vom 5. September 2024 bis zum 2. Februar 2025 findet im Kunstpalast in Düsseldorf eine Ausstellung statt mit dem Titel: Verborgene Schätze. Werke aus rheinischen Privatsammlungen. Es handelt sich dabei um Werke von Gerhard Richter, einem der bekanntesten, beliebtesten und am höchsten bewerteten zeitgenössischen bildenden Künstler. Er wurde 1932 in Dresden, Ostdeutschland und später DDR, geboren. 1961 wechselte er nach Westdeutschland und ließ sich in Düsseldorf nieder. Heute lebt er in Köln. Gerhard Richter gilt als zurückhaltend und wortkarg. Dennoch hat er im Laufe seines Lebens unzählige Interviews gegeben. Sie erzählen von seiner Liebe zum Banalen und seinem Hass auf Politiker und Konservative.
2012 sagte Richter: „Manchmal denke ich, dass ich mich nicht Maler, sondern Bildermacher nennen sollte. Ich interessiere mich mehr für Bilder als für die Malerei“. Deshalb arbeitet er nicht in einem einzigen Stil oder mit einer einzigen Art von Bildern, sondern versucht, alle möglichen Formen zu erforschen: gegenständlich, abstrakt, gerastert, einfarbig oder mehrfarbig... Diese systematische Erkundung macht ihn zu einem faszinierenden Künstler.
Er malt Bilder von grauen Vorhängen, minimalistische Rasterstrukturen, Farbquadrate aus dem Farbenladen, graue Monochrome, Spiegelflächen, Räume mit übereinander liegenden, grellen Farben, die mit dem Rakel als Malinstrument hergestellt werden, das den größtmöglichen Abstand zwischen dem Künstler und seiner Angriffsfläche ermöglicht. Es handelt sich nicht um Malerei als Selbstausdruck, sondern um Kommentare zu dieser.
Richter zieht es vor, seine eigene Person aus der malerischen Produktion herauszuhalten. In den 1960er Jahren, als im Rheinland neue Strömungen wie die Konzeptkunst und Fluxus (eine provokative Bewegung, die behauptete, es gebe keinen Unterschied zwischen Kunst und Leben) entstanden, wurde die Abstraktion bei ihm zur Distanz zur eigenen Innenwelt, d.h. zu einer zentralen Errungenschaft der autonomen Malerei. An der Seite von Sigmar Polke, Konrad Lueg oder Blinky Palermo entstehen eine neue Ironie und eine neue „Coolness“. In einem Interview mit der Zeit im Februar 2022 sagte er: „Die zugrundeliegende Absicht war, ... Kunst ohne Kunst aus etwas zu schaffen, das keine Kunst hat. Ich erkannte, dass durch das Übermalen eines geschmacklosen und epigonalen Fotos etwas Neues vermittelt werden konnte. Mir war es besonders wichtig, mich von einer Kunst im Dienste der linken Politik à la Hans-Peter Alvermann abzugrenzen, bei der man auf Schritt und Tritt ablesen konnte, was beabsichtigt war. Mir war es wichtig, dass man in meinen Bildern keinen Inhalt entdeckt. Meistens lenkte ich die Aufmerksamkeit davon ab, dass die fotografischen Vorlagen manchmal verhängnisvolle Ereignisse wiedergaben. Es ging dabei keinesfalls um politische oder familiäre Inhalte, sondern um Banalität... Meine Kunst war nie kritisch. Die sogenannte gesellschaftskritische Kunst mag gut gemeint sein, aber sie ist keine Kunst... Rebellion widerspricht meinem Temperament... Ich hatte immer die resignative Einsicht, dass wir nichts tun können, dass Utopien nutzlos, ja sogar kriminell sind“.
Die Auftraggeber, die ein im Krieg zerstörtes Fenster des Kölner Doms ersetzen wollten, wünschten sich von Richter eine figurative Lösung, die Darstellung von sechs modernen Märtyrern. Doch der Künstler, der sich selbst als nicht gläubig bezeichnete, lehnte diese Vorgabe ab und griff für seinen Entwurf auf eine Vorlage zurück, die sich seit über 30 Jahren in seinem Fundus befand: Er füllte die Fensterfläche mit 11.263 Farbquadraten in 72 verschiedenen Farbtönen und überließ es dem computergesteuerten Zufall, wie diese angeordnet waren! Als Antwort auf die Kritik des Erzbischofs erklärte er wiederholt, dass man „den Verlust des ‚Zentrums‘ als Verlust des Geistes, der Haltung und der Individualität bekräftigen muss. Eine Reaktionsmaschine zu sein, unbeständig, gleichgültig, abhängig. Sich der Objektivität hingeben. Ich habe Subjektivität immer gehasst“.
Doch einige seiner Arbeiten scheinen dieser Haltung des „Nicht-Engagements“ zu widersprechen. Er hat nämlich hochsensible historische Themen aufgegriffen, insbesondere solche, die sich auf das kollektive Gedächtnis und die deutsche Geschichte beziehen. Ein berühmtes Beispiel ist die Serie „18. Oktober 1977“, die sich mit der RAF (Rote Armee Fraktion) und dem deutschen Terrorismus befasst.
Im Jahr 2014 schuf er ein abstraktes Gemälde mit dem Titel Birkenau. In diesem vierteiligen Werk, das aus großformatigen Gemälden besteht, verwendete Richter authentische Fotografien als Vorlagen, die 1944 heimlich vom Sonderkommando der jüdischen Häftlinge des Konzentrationslagers Auschwitz-Birkenau aufgenommen wurden.
Seine Werke sind äußerst vielfältig sowohl figurativ als auch abstrakt. Er hat immer wieder mit neuen künstlerischen Ansätzen experimentiert, darunter Fotografie, Glasarbeiten und Skulpturen.
Richters Werke erzielen auf dem Kunstmarkt oft hohe Preise, was seine Popularität noch weiter steigert. Er wird regelmäßig als einer der teuersten lebenden Künstler eingestuft, was seine Position in der zeitgenössischen Kunstszene festigt.
Gerhard Richter gilt als einer der bedeutendsten zeitgenössischen Künstler der Welt. Ihm wird nachgesagt, ein Pionier mit großem Einfluss auf die Entwicklung der Kunst zu sein. Daher erzielen seine Werke oft sehr hohe Preise, da sie sowohl als kulturell als auch historisch wertvoll angesehen werden.
Sein hohes Alter von 92 Jahren bedeutet für Sammler, Museumskuratoren und Kunsthändler, dass seine Produktionen seltener werden, was ihren Marktwert erhöht.
Ein Gemälde von Gerhard Richter ist zu einem Symbol für Raffinesse und Exklusivität geworden, ähnlich wie bei berühmten Künstlern wie Picasso oder Warhol.
Die Kombination aus Richters einzigartiger künstlerischer Bedeutung, der Seltenheit seiner Werke, der Nachfrage von Sammlern und Institutionen, den Auktionsrekorden und der zeitlichen Relevanz seiner Themen trägt dazu bei, dass sein Werk zu den teuersten der Welt gehört.
Gerhard Richter gehört zu einer Strömung der malerischen Forschung, die sich in den 1960er Jahren entwickelte und dazu tendierte, Emotionen auf Distanz zu halten. War dies nicht eine Verbindung, eine Reaktion auf die Ereignisse des Zweiten Weltkriegs, der die negativen Emotionen paroxysmal explodieren ließ?
Es ist interessant, dass viele dieser Künstler sich dafür entschieden haben, mit Fotografien zu arbeiten. Dies gilt auch für den englischen Maler David Hockney (geb. 1937), der wie Richter zu einer weltweiten Referenz geworden ist und dessen Bewertungen die höchsten aller lebenden bildenden Künstler sind.
Die Distanziertheit, der Versuch der Objektivität, der Wille, nichts über sich selbst zu sagen, vermittelt uns ein Gefühl der Kälte. Es ist eine Malerei vierten Grades. Wenn die erste Stufe die Wahrnehmung ist, die der Künstler von der Realität hat, die zweite Stufe sein Gefühl ist, führt er eine dritte Stufe ein, indem er fotografiert, was er oder andere wahrgenommen haben, um dies dann zu dekonstruieren.
Wir hatten den Eindruck, dass Richter Angst vor seinen eigenen Gefühlen hatte, Angst davor, sich selbst zu entdecken, Angst davor, kategorisiert zu werden? Eine Art, die Tendenzen der heutigen Welt in Frage zu stellen, endlos viele Unterkategorien zu schaffen, die Menschen aufgrund einer Gemeinsamkeit und nicht aufgrund von sozialem Status, Werten, Ideen, Weltanschauung oder Kultur zusammenführen? Oder Angst davor, nicht einzigartig zu sein?
Diese Ausstellung hat den Vorzug, dass sie uns nicht nur einen weltberühmten, in Frankreich kaum bekannten Künstler vorstellt, sondern uns auch Fragen über den Status von Emotionen in der Kunst stellt.
Verfasser: Peter Winz/ Joseph Kastersztein